Японская живопись цветы

LiveInternetLiveInternet

Рубрики

  • (308)
  • живопись (307)
  • акварель (359)
  • Актрисы кино и театра (1)
  • Алло, мы ищем таланты (10)
  • ангелы,эльфы,феи (39)
  • анимация (7)
  • Анимация в пейзажах (3)
  • арт студия (5)
  • аудиоурок по английскому языку (4)
  • Африка (1)
  • бабочки (25)
  • балет в живописи (31)
  • батик (189)
  • бордюры (6)
  • валяние (3)
  • весна (9)
  • видео (10)
  • винтаж (65)
  • вкусняшки (6)
  • вопросы и ответы (12)
  • все для живописи (1)
  • все для огорода (148)
  • Все для сада (103)
  • все для сада и дома (262)
  • Все о вышивке (63)
  • вышивка крестиком (8)
  • вышивка лентами (9)
  • Вышивка народов востока (31)
  • вышивка по канве (1)
  • вязание крючком (72)
  • городской пейзаж (8)
  • гороскопы (1)
  • графика (23)
  • декор дома (88)
  • декупаж (183)
  • декупаж мастер класс (159)
  • деревья (7)
  • деревяное творчество (8)
  • дети и их четвероногие друзья (10)
  • детское (52)
  • домашние напитки (29)
  • женский образ в живописи (78)
  • живопись Востока (64)
  • живопись,натюрморт (168)
  • животные и звери (157)
  • забавное видео (1)
  • Забавные видео (1)
  • забавные животные (2)
  • забавные коты (4)
  • загадки (2)
  • заготовки на зиму (61)
  • здоровье (45)
  • зимние зарисовки (4)
  • знаки зодиака (1)
  • игрушки (10)
  • изделия из соленого теста (15)
  • изделия из соломки (1)
  • иллюстрации (84)
  • Индия (5)
  • искусство (15)
  • картинки + код (4)
  • картинки для декупажа (103)
  • катастрофы (2)
  • квиллинг (8)
  • керамика (5)
  • Китайская живопись (179)
  • Китайские мастера (21)
  • Книги в помочь,творчеству (70)
  • Книги в помочь,творчеству (26)
  • контурная роспись,витраж (57)
  • косметика (9)
  • коты в живописи (100)
  • красивые домики (6)
  • красота созданная моими друзьями (1)
  • кружево (21)
  • куклы (63)
  • кулинария (400)
  • блюда из картофеля (35)
  • блюда из курицы (19)
  • выпечка (184)
  • рыбные блюда (63)
  • салаты (98)
  • лаковая миниатюра (4)
  • личные фото (1)
  • магия (2)
  • маски (3)
  • мастер класс (88)
  • милосердие (16)
  • миниатюры (6)
  • мода и стиль (7)
  • модерн (25)
  • Мои работы по вышивке (28)
  • МОЙ ЛЮБИМЫЙ САД (7)
  • молитвы (8)
  • МОРЕ И КОРАБЛИ (28)
  • музыка (11)
  • музыка (2)
  • насекомые (2)
  • Новогодние пожелания (6)
  • о дружбе (4)
  • о маме (1)
  • обо всем на свете (7)
  • обряды и поверия (2)
  • объемная вышивка (3)
  • Он и она (3)
  • орнаменты (48)
  • открытки (26)
  • 8 марта (3)
  • масленица (1)
  • открытки к пасхе (2)
  • открытки (13)
  • открытки с рождеством (28)
  • оформление дневника (9)
  • очумелые ручки (145)
  • пейзажи (5)
  • пейзажная живопись (214)
  • пейзажные фото (12)
  • плетение из газет (18)
  • Подводный мир (8)
  • подсказки новичкам (50)
  • Полезности для дневника (46)
  • Полезные советы (45)
  • политика и люди (2)
  • посуда (22)
  • поэма жизни (2)
  • Прикладное творчество (12)
  • приколы (0)
  • программы для Windows (9)
  • птицы (71)
  • путешествия (15)
  • Китай (4)
  • путешествуем по миру (21)
  • рабочее место (15)
  • разделители (2)
  • рамочки (5)
  • растения (0)
  • ретро открытки (13)
  • рецепты вкусной пищи (212)
  • рисунки для вышивки гладью (16)
  • рисунок (42)
  • рисунок (38)
  • роспись (153)
  • объемная роспись (5)
  • рукоделие (85)
  • рукотворчество (238)
  • Санкт-Петербург (3)
  • сказочная фантастика (24)
  • смайлы (1)
  • стихи (23)
  • строительство (31)
  • Схемы для дневника (6)
  • схемы с дракошами (0)
  • танцы (4)
  • танцы в живописи (10)
  • точечная роспись (133)
  • трафареты (103)
  • украшение блюд (74)
  • украшения (7)
  • уроки рисования (71)
  • фарфоровое великолепие (18)
  • фентези (46)
  • фоны (55)
  • Фото (57)
  • фотошоп (1)
  • фракталы (1)
  • Хроники семьи Романоых (40)
  • цветы (84)
  • цветы (88)
  • цветы в живописи (405)
  • цветы для сада (124)
  • церковная живопись (3)
  • церковные праздники (1)
  • шитье (79)
  • шитье сумок (17)
  • это интересно (78)
  • юмор (3)
  • японская живопись (55)

Метки

Кнопки рейтинга «Яндекс.блоги»

Поиск по дневнику

Подписка по e-mail

Интересы

Друзья

Постоянные читатели

Сообщества

Статистика

Выбрана рубрика японская живопись.

  • 2 Запись понравилась
  • Процитировали
  • Сохранили
    • Добавить в цитатник
    • Сохранить в ссылки


    Японская гравюра

    японская гравюра

    • Запись понравилась
    • Процитировали
    • Сохранили
      • Добавить в цитатник
      • Сохранить в ссылки


      Японские принты

      Японские принты

      • Запись понравилась
      • Процитировали
      • Сохранили
        • Добавить в цитатник
        • Сохранить в ссылки


        Цветы и птицы.Японская гравюра

        Цветы и птицы/ Японская гравюра.

        В Японии существовал особый жанр гравюры, посвященный изображению птиц и цветов — катё-га. Птицы на этих гравюрах лишь деталь пейзажа, призванная оттенять красоту растений. Сами птицы для японцев не входят в понятие природа, для них прекрасны лишь цветы, луна и снег.

        • Запись понравилась
        • Процитировали
        • Сохранили
          • Добавить в цитатник
          • Сохранить в ссылки


          Япония,зимнее,иллюстрации

          JapanЗимнее..

          Kawase Hasui

          ***

          *кликабельно
          +6

          • 1 Запись понравилась
          • Процитировали
          • Сохранили
            • Добавить в цитатник
            • Сохранить в ссылки


            Японская акварель. Kanta Harusaki

            Японская акварель. Kanta Harusaki

            (Японская сказка. Для тех, кому акварелей маловато. )

            В давние-предавние времена жили в одной рыбацкой деревушке муж с женой. Жили они дружно, да только вот беда — детей у них не было. Каждый день ходила жена в храм богам молиться, все просила их: «Пошлите нам на радость хоть какое дитя!».

            Сжалились, наконец, боги. Родилась у жены с мужем девочка. Доброй и красивой была она, но стали замечать отец с матерью, что никак не растут у нее на голове волосы. Закручинились родители: «За что мы богов так прогневали? За что они дочку нашу долгожданную не пощадили?». Ну, делать нечего. Какое дитя ни есть, а свое.

            Путеводитель по японскому искусству

            Гравюра, каллиграфия и живопись: Arzamas составил инструкцию, как смотреть японское искусство

            Европейцы познакомились с японским искусством во второй половине XIX века, после вторжения американской эскадры коммодора Мэттью Перри в 1853 году. На международных выставках оно произвело фурор, и в моду тут же вошло все японское: кимоно, ширмы, фарфор, гравюры. «Японизм» проник в европейскую живопись и декоративно-прикладное искусство, повлияв на импрессионистов, постимпрессионистов и мастеров ар-нуво . И все же для большинства японское искусство оставалось диковинкой: картины казались незаконченными эскизами, свитки напоминали обои, а гравюра — карикатуру. И даже сегодня многие аспекты японского искусства не вполне понятны западному зрителю. Как же его понимать?

            Японская живопись опиралась на принципы, разработанные в Древнем Китае: система жанров, мировоззренческие основы живописи, символизм и многие другие чисто художественные средства были заимствованы с континента одновременно с буддизмом. Система жанров разительно отличалась от евро­пей­ской. Даже самый, казалось бы, понятный — пейзаж — в традиции Дальнего Востока имеет свои особенности.

            Что такое японский пейзаж

            Главная идея спрятана в названии: японское слово сансуй и китайское шань-шуй переводятся как «горы и воды». Это не портре­тирова­ние какого-то уголка природы, но создание образа идеального космического порядка, опирающегося на натур­филосо­фию Натурфилософские представления диктуют и особенности других жанров — например, «цветов и птиц», а также «цветов и насеко­мых» и даже декоративной живописи на ширмах, раздвижных перегородках и стенах. . Горы и воды — репрезентация противоположностей, составляющих движительную силу Вселенной. Мужское и женское начала, твердое незыблемое и мягкое изменчивое, светлое и темное (все то, что скла­дывается в пару ян и инь) — противоположности, бесконечно порождающие друг друга и присутствующие друг в друге, формируют гармонию мироздания, отражение которой (а заодно утверждение) и есть главная задача художника. Восточный пейзаж, как правило, умозрительный, это плод кабинетной работы художника-мыслителя. Реалистичность, схожесть, копирование природы, которые стали основой классической живописи Запада, не имели для японцев безусловной ценности.

            Как читать свитки

            Формат горизонтального или вертикального свитка связан с формой рулона шелка — одного из самых ранних носителей письменности на Дальнем Востоке. Живопись на свитках шелка или бумаги не имеет рамы; четкой границы между изображением и окружающим пространством нет. Именно поэтому у первых западных коллекционеров и возникла ассоциация с обоями. Европейскому взгляду оказалось сложно приспособиться и к технике живописи, и к организа­ции пространства в изображении. В классической японской живописи прост­ранство выстраивается с помощью особой системы приемов. Четко обозначен­ные деталями (постройками на берегу, лодками на воде и т. д.) или тональ­ны­ми акцентами планы композиции на вертикальных свитках легко расслаива­ются, часто отделенные друг от друга туманными полосами пустоты. Эти паузы в изображении и диагональные композиции помогают неторопливо переходить от рассматривания первого плана к дальним, создавая эффект глубины пейзажа.

            Сюгэцу. Пейзаж в китайском стиле. Не позднее 1529 года Honolulu Museum of Art

            В горизонтальных свитках, рассчитанных на медленное рассматривание по ходу чтения справа налево, этот «временной» аспект живописи еще более очевиден. В пейзаже мастера Сюгэцу зритель «входит» в изображение из пустого пространства воды и неба в правой части свитка, беседует с поэтами и мудрецами на скалистом берегу, любуется старой сосной и «поднимается» в беседку, откуда перед ним открывается вид на темный абрис пологих гор на втором плане, а потом, глубже и выше, — на дальние вершины третьего плана, подернутые дымкой.

            Почему дома изображены без крыш

            Отсутствие в классическом репертуаре дальневосточной живописи сцен в замкнутых помещениях и городских пейзажей делало неактуальной линейную перспективу. А там, где следовало придерживаться строгих геометрических форм, на помощь как художнику, так и зрителю вновь приходило воображение.

            В японской живописи ямато-э с эпохи Хэйан (794–1185) для изображения сцен в дворцовых покоях использовался прием «интерьера со снятой крышей», когда художник и зритель смотрели на происходящее в дворцовых залах сверху, словно заглядывая в кукольный домик и видя фрагмент помещения со скошен­ными балками, занавесями и сидящими в них героями.

            Иллюстрация к одной из глав «Повести о Гэндзи» Мурасаки Сикибу. Около 1130 года 徳川美術館 (Художественный музей Токугава)

            Этот прием, появившийся еще в ХII веке в иллюстрированных свитках (так называемых эмакимоно), позднее широко применялся в росписи ширм или по­движных перегородок фусума в дворцовых и замковых интерьерах. Японские мастера вообще любили взгляд с высоты птичьего полета, открывавший перед зрителями широкую картину празднеств, военных действий или городских видов. Чтобы подчеркнуть эту высокую точку зрения, удаленность объектов и их отделенность друг от друга, использовался прием ункин. Купы деревьев, показанных как бы сверху, или декоративные позолоченные стилизованные облака позволяли разделить плоскость изображения на регистры и планы. Сам термин ункин состоит из иероглифов «облако» и «парча»: это отсылка к пыш­ным облакам цветущей сакуры и парче осенних краснеющих кленов, сквозь которые показаны пейзажи.

            Монах Юкинаги. Императорское шествие в Охару (иллюстрация к «Повести о доме Тайра»). Период Эдо, начало XVII века The Metropolitan Museum of Art

            Отделенные друг от друга фрагменты императорской процессии кажутся раз­не­сенными в пространстве, и каждое из них обладает собственной перспек­ти­вой. Художник следует принципу «подвижного ракурса», когда в одном произ­ведении действует множество точек зрения и точек схождения перспек­тивы.

            Саэн Хосай (Сиюа Фанци). Майна на ветке сливы. Период Эдо, XVIII век The Metropolitan Museum of Art

            Что же касается моделирования объема предметов, то переходы от насыщен­ного цвета туши к акварельной прозрачности были призваны не столько передать реальные светотеневые соотношения, сколько выявить «костяк» формы, который может внушить ощущение объема. А живописный фон часто вовсе исчезает из изобразительного текста, заставляя поверхность бумаги или шелка работать как бесконечное пространство.

            Каллиграфия

            Практически все принципы дальневосточной живописи так или иначе приме­нимы к произведениям каллиграфии — искусству красивого письма. Первая причина этого родства лежит в общности материалов и инструментов письма и живописи. Кисть и тушь, бумага или шелк диктуют одни и те же особенности визуального языка: мазок, формирующий абрис гор или ствол бамбука, мало чем отличается от черты в написании иероглифа. В письме и живописи движе­ния руки художника одинаковые. Также одинаково мастер регули­рует толщину и яркость линии или пятна нажатием на кисть, скоростью пись­ма, насыщением кисти водой.

            Вторая причина — сложная природа иероглифа. Иероглиф обладает формой, цветом, композиционной связью с форматом произведения и другими эле­мен­тами изображения. Как письменный знак, восходящий к пикто­грамме — схема­тизированному, упрощен­ному изображению реального объекта, — он сохра­няет далекую связь с формой предмета или природ­ного явления (и наибо­лее близкими к пикто­грамме остаются иероглифы, обозначающие устойчивые при­родные формы: гору, воду, огонь, человека и другие). Как знак письмен­нос­ти он обладает фонетическим звучанием и значением, которое связано с целым рядом литературных, религиозных или философских ассоциаций.

            Системы почерков: кайсё, гёсё и сосё

            Каллиграф Дальнего Востока создает каллиграфическое произведение, не просто чтобы зафиксировать смысл, но чтобы выразить и воплотить идею отдельного слова, целого стихотворного или прозаического произведения. При этом, как правило, он связан устоявшимися формами письменных знаков: основой каллиграфии является система почерков, каждый из которых обладает смысловыми нюансами и соответствует замыслу автора.

            Нейтральный и легко читаемый уставной стиль кайсё ближе всего к печатным знакам; «полукурсив» («бегущий стиль») гёсё — свободнее и выразительнее, динамичнее и гибче: движения кисти тут более плавные и слитные. Но наи­боль­­шим выразительным потенциалом обладает сосё, или «травяное пись­мо», в котором отдельные знаки сливаются в плавно изгибающиеся строки, похожие на спутавшиеся или стелющиеся травы. Каллиграф сокращает письменные знаки, опуская или объединяя мелкие элементы.

            Хонъами Коэцу. Каллиграфия стихотворения из сборника «Син кокин вака-сю», украшенная изображениями оленей, в стиле сосё. Не позднее 1637 года MOA美術館 (Художественный музей в Атами)

            Иероглифическая письменность пришла в Японию из Китая. Чтобы приспо­собить ее к японскому языку, к концу первого тысячелетия были созданы две слоговые азбуки — хирагана и катакана, которые дополняли иероглифические тексты. Знаки письменности хирагана, часто встречающиеся в каллиграфии наравне с иероглифами, составляли особый связный стелющийся текст, кото­рый у великого мастера ХVII века Хонъами Коэцу превращает строки стихов в продолжение свисающих побегов плюща или травы и кустарник, в которых пасутся олени.

            Птицы в традиционной японской живописи

            Предлагаем вашему вниманию обзорную статью, посвященную жанру «Цветы и птицы» в традиционной японской живописи. На странице приводятся наиболее типичные шедевры монохромной и цветной чернильной живописи различных художников.

            Камыш и гуси, Тессю Токусай. 14 век, Период Нанбокучо (1336–92).

            Парные свитки, исполненные в технике письма черной тушью по шелку. Размеры каждого свитка 110.5 x 44.1 см, с обрамлением 182.2 x 51.4 см. Некогда являлись частью триптиха, но сейчас центральная его часть отсутствует. На центральной части был изображен даосский бессмертный Лу Донби, кормящий гусей, — популярный сюжет японской дзен-культуры, в основе которого лежит единство природы и духовного мира.

            Тессю Токусай был одним из первых монахов раннего японского дзен буддизма, посвятивший свою жизнь духовным дисциплинам, живописи, разведением орхидей и гусей.

            Журавли, персиковое дерево и китайская роза, Шень Нанпин (1682-1762). Свиток, выполненный в технике письма цветными чернилами по шелку. Оригинальный размер — 248.3 x 122.2 см.

            Шень Нанпин (1682-1762) — японский художник китайского происхождения. В 1731 году переехал в Нагасаки по приглашению преподавать традиционную китайскую живопись японским студентам, в результате чего образовалась новая художественная школа, повлиявшая на всю культуру Японии конца периода Эдо.

            По ассоциации с бессмертием, журавли и персики считаются символами долголетия. Журавли часто изображаются несущими на спине даосских бессмертных, персики — растущими в райском саду Сиванму, саду дворца Королевы Запада. Журавли и персики, таким образом, символизируют «острова бессмертных», благодатный рай, вдохновлявший художников на протяжении всей истории китайского и японского искусства.

            Белые цапли и зимородок на пруду с лотосами, Кинкей Додзин (Рёбин), 16 век, период Муромати (1392–1573). Бумажный свиток, живопись чернилами, 95.9 x 39.7 см.

            Как и о многих художниках средневековой Японии, мало известно о Кинкей Додзин. Исторические хроники японской живописи («Honchogashi») указывают на то, что Кинкей изучал технику живописи стиля Сёбун, а также картины «Южного Певца» (кит. Ми Ци, яп. Моккей), и специализировался на традиционном жанре «цветы и птицы».

            Две белых цапли изображаются как бы собравшимися в комок перьев — характерное для китайских цапель поведение, когда они пытаются согреться. Зимородок изображается с непропорционально длинным клювом. Птица будто бросает вызов гравитации, раскачиваясь на тончайшем стебле тростника, обозначенным на бумаге единственным каллиграфическим росчерком.

            Между зимородком и цаплями, прямо над их головами, высохший бутон лотоса, придающий сюжету несколько мрачное настроение. Лотос — растение, вырастающее из грязи на дне пруда, в буддийской традиции символизирует путь к спасению. Изображение жизненных циклов лотоса часто используется монахами-художниками средневековья как метафора быстротечности.

            Ли Хэцзин с ручныи журавлем. Приписывается кисти Кайо Юсо (1533-1615). Периоды Момояма (1573-1615) — Эдо (1615-1868). Изначально двухпанельная складная ширма, перемонтированная в свиток. Тушь и цветные чернила по бумаге. Размеры — 144 x 156.8 см.

            Подпись на картине идентифицирует исполнителя как Кайо Юсо, однако предполагается, что печати и подписи добавлены позднее. Тем не менее, техника живописи (Кано) позволяет четко датировать картину семнадцатым веком.

            Красноголовый журавлю стоит у ног китайского мудреца, защищаемый от холода полой его плаща. Корявая ветка сливы подтверждает настроение ранней весны своими почками, готовыми раскрыться. Ветка сливы и журавль — символы, которые говорит нам, что человек, изображенный на картине — Ли Бу (967-1028), поэт и литератор, живший на Восточном Острове рядом с Ханчжоу. После смерти Ли Бу дали прозвище Лин Хэцзин, что означает Роща Гармонии (яп. риннасей). Причисленный к чину Величайщих затворников, Лин Хэцзин был известен своей любовью к сливам и способностью приручать журавлей. В Японии личность Хэцзина рассматривается как поэтическое воплощения лика даосского «бессмертного», потому сюжеты с его участием пользовались особой популярностью как у народного искусства, так и у искусства японской элиты.

            Журавль, Нагасава Росетсу (1754-1799). Период Эдо (1615-1868). Черная и красная краска по бумажному свитку, 213.4 x 99.7 см.

            Росетсу обучался искусству живописи у Маруяма Окио (1733-1795). Будучи изгнанным из школы за своенравие и неподчинение учителю, Росетсу продолжал развивать собственный узнаваемый стиль. Его картины, большей частью на тему животных и птиц, являются без преувеличения данью «неуважения» к традиции живописи дзен того времени.

            Иллюстрация представляет часть диптиха, изображавшего только трех журавлей без какого-либо фона — традиционного пейзажа или кустика растительности. Поза каждой птицы незначительно варьируется, их белые тела художник «отрывает» от фона лишь чернильной размывкой. Кроме ярко-красного цвета на голове птиц, журавли написаны полностью черными чернилами. Общий эффект, вызываемый картиной, состоит из недоумения и доли юмора, будто птицы спокойно стояли, позируя художнику.

            Павлин и пионы, 1820, Тани Бунко (1763-1840). Период Эдо (1615-1868), живопись по шелку, 153 x 88.3 см.

            Тани Бунко имел возможность изучать китайские стили живописи, будучи на службе у государственного деятеля Матсудаира Саданобу (1758-1829). На картине изображена пара павлинов у куста пиона, олицетворяющих богатство и мирскую власть. Вероятно, живопись создана по заказу влиятельного покровителя, в частности, «героическая» поза одного из павлинов предполагает официальное поручение.

            Утка, летящая над ирисом, ок. 1630-х, Таварая Сотацу. Период Эдо (1615-1868), живопись по шелку, 191.8 x 55.2 см.

            Художественная студия Таварая Сотацу специализировалась на чернильной живописи птиц и других благоприятных животных, например, собак, тигров, волов и кроликов как части стандартного репертуара. Использование краски определенного оттенка наравне с собственным стилем монохромной живописи являлось своего рода визитной карточкой студии Сотацу. Более того, художник значительно стилизует мелкие детали, будто желая устранить излишние подробности. Такая манера письма оказала влияние на художников последующих поколений, в том числе Огата Корин (1658-1716) и его приемников, создававших картины с изображениями уток по стандарту Ринпа, ставшему частью известного руководства по рисованию («Сто картин»).

            Дикая утка в тростниках, Хосетсу Тозен (17 век). Период Эдо (1615-1868), цветные чернила по бумаге, 85.1 x 44.5 см.

            Мало известно о личности Хосетсу Тозен, но, на основе общих стилистических соображений и наличия в имени иероглифа «То», можно предположить, что художник был последователем Сесю Тойо (1420-1506). Хронологические научные источники говорят, что Тозен родился в Мацуура (провинция Бидзен на острове Кюсю) и позднее стал монахом дзен секты риндзай.

            Тема диких уток и уток среди тростника была весьма популярна в живописи и поэзии всей Восточной Азии. Обычно тема использовалась для художественно-поэтической передачи настроения поздней осени.

            Перепела под осенними цветами, Тоса Мицуоки (1617-1691). Период Эдо (1615-1868), цветные чернила по шелку, 97.8 x 41.6 см.

            Тоса Мицуоки был официальным придворным художником в 1654 году. Своим творчеством Мицуоки старался возродить давно утраченный стиль школы Тоса, которую, начиная с периода Муромати, затмил стиль Кано.

            Элегантные от природы хризантемы очень часто появляются вместе с перепелами на живописных полотнах и графических композициях. Тема хризантем была особенно любима китайскими художниками, поскольку являлась символом мира и долголетия.

            Перепел и просо, Киёхара Юкинобу (1643-1682). Период Эдо (1615-1868), цветные чернила по шелку, 118.4 x 47.6 см.

            Киёхара Юкинобу — дочь выдающегося Кано художника Кусуми Морикаге (ок. 1620-1690), одна из немногих женщин живописцев периода Эда, почитавшихся как «достигшая высокого мастерства в искусстве». Продолжая дело своего отца, Юкинобу перерабатывала на свой манер обычные для эпохи Муромати живописные темы.

            Эту весьма традиционную композицию наполняет спокойствие. Асимметричность пополам с реализмом напоминает китайские академические прототипы 12-го века, но отличительной особенностью здесь является тонкий намек на внутреннюю гармонию в композиционном расположении перепела и покачивающихся стеблей проса.

            Свиристели, цветущая вишня и бамбук, Киёхара Юкинобу (1643-1682). Период Эдо (1615-1868), цветные чернила по шелку, 182.5 x 54.7 см.

            В этой картине Юкинобу фиксируется на трех стандартных позах свиристелей, воссоздает типичную весеннюю сцену. Заметен высокий уровень детализации изображений птиц, контрастирующий с особенно нежной трактовкой камней в ручье и ствола вишни.

            Сорока на ветви калины, Генга (16 век). Период Мромати (1392-1573), цветные чернила по бумаге, 46.3 х 35.5 см.

            О Генга неизвестно практически ничего. Слегка упрощенная манера и усиленный цвет дают основание предположить, что работал Генга в начале 16-го века и принадлежал к цепи последователей Сессю (1420-1506) или Сотана (1413-1481).

            В ажурном обрамлении пышных цветов калины (яп. гамазуми), длиннохвостая сорока — довольно редко встречающаяся в Японии птица — изображается с особым вниманием к деталям, что отражает идеалы натурализма в живописи императорской академии китайской династии Южная Сун. Живописные идеалы Китая оказали весьма плодотворное влияние на японскую живопись начиная с 15-го века.

            Петухи, Кацусика Хокусай (1760-1849). Период Эдо (1615-1868), Цветные чернила по шелку, 54.9 x 84.8 см.

            Заметно, как петух справа проявляет явную агрессию по отношению к петуху слева. Последний будто весьма удивлен данным обстоятельством, а его глаз, обращенный к зрителю, будто вопрошает, следует ли вступать в бой. Передача человекоподобных эмоций у животных — характерная черта и «торговая марка» Хокусая. Нельзя не отметить, характерное для творчества Хокусая, тщательно прорисованное оперение.

            Японская живопись — акварель Абе Тошиюки

            Дорогие друзья! За окном зима, а так хочется солнца и тепла. И зеленых красок! И цветов!) Особенно сейчас, когда очень холодно. Хоть зима набирает обороты, мы уже предвкушаем весну и лето.И желание приблизить солнечное настроение увеличивается. Живопись акварелью японского художника Абе Тошиюка хрупка, нежна и воздушна, она буквально погружает в атмосферу лета и тепла. Все его картины просто залиты светом!

            Многие, когда видят живопись Абе Тошиюки, утверждают, что это работы фотомастера, настолько реально всё, что изображено на них. А ведь это – акварель! Прозрачная, нежная, дышащая акварель!

            Некоторые люди с сомнением относятся к гиперреализму в картинах. Зачем так тщательно копировать природу, когда для этого есть фотоаппарат? Зачем использовать такую сложную и кропотливую технику акварели? Ведь акварельная живопись – это, прежде всего, недосказанность, тонкость и текучесть. В картинах Абе Тошиюки реалистичность сочетается с легкими акварельными мазками, его живопись дает ощущение воздушной перспективы и солнца.

            Мне кажется, если картины несут свет и тепло, если мы чувствуем их настроение, если они цепляют, то они имеют право на существование. А у этого японского художника картины именно такие. В них много солнца, бликовые переливы, игра цвета и тени… Они живые. Кто-то сказал, что живопись позволяет увидеть окружающее в тот момент, когда на него смотришь с любовью. Акварель Абе Тошиюки наполнена любовью, и мы с удовольствием входим в мир красок художника. Этот прием дает акварели глубину и создает ощущение солнечного света и воздушной перспективы.

            Абе Тошиюки родился в 1959 году в Японии. Он 20 лет преподавал рисование, но всегда мечтал стать художником и творить. В 49 лет Абе решил изменить свою жизнь и довериться мечте. Еще один пример, что наши желания имеют способность исполняться. Надо только очень захотеть)) В течение долгих 2-х десятилетий он был рядовым учителем рисования (хоть, думаю, многие его ученики с благодарностью вспоминают своего преподавателя), и за какие-то 5 лет японский художник прославился как живописец. А может надо сначала отдать частичку себя, чтобы Вселенная стала помогать тебе?) Японская акварельная живопись приобрела еще одно известное имя.

            За 5 лет Абе Тошиюки заслужил несколько наград, у него — персональные выставки, он стал известным мастером. Особенно он проникся акварельной техникой живописи. Японский художник Абе Тошиюки говорит, что через свою акварель, изображающую течение реки, хрупкость цветов, блики света художник выражает изменчивость и быстротечность нашего мира. А японцы, особенно чутко относятся к таким философским вопросам. Каждая картина, по мнению Abe Toshiyuki, обязана тронуть сердце человека, иначе она не выполняет своего предназначения.

            Так ли это, смог ли затронуть все струны Вашей души японский художник и дотронуться до Вашего сердца, Вы можете проверить прямо сейчас. Вашему вниманию предлагаю выборку из картин японского мастера. А для того, чтобы создать особую восточную атмосферу и подчеркнуть японский колорит, я постаралась подобрать к картинам строки Басё.

            Акварельная живопись – картины Абе Тошиюки

            Внимательно вглядись!
            Цветы пастушьей сумки
            Увидишь под плетнем.
            Басё

            Ива склонилась и спит.
            И кажется мне, соловей на ветке –
            Это ее душа.
            Басё

            Чистый родник!
            Вверх побежал по моей ноге
            Маленький краб.
            Басё

            Опала листва,
            Весь мир одноцветен.
            Лишь ветер гудит.
            Басё

            Наскучив долгим дождем,
            Ночью сосны прогнали его…
            Ветви в первом снегу.
            Басё

            Видно кукушку к себе
            Манят колосья в поле:
            Машут словно ковыль…
            Басё

            Бабочки полет
            Будит тихую поляну
            В солнечном свету.
            Басё

            Вот здесь в опьяненье
            Уснуть бы на этих речных камнях,
            Поросших гвоздикой…
            Басё

            О священный восторг!
            На зеленую, на молодую листву
            Льется солнечный свет.
            Басё

            Дорогие друзья! Надеюсь, что акварель японского художника подарила тепло и напомнила, что лето уже скоро!)

            Японские картины: все тонкости восточной живописи

            Японская живопись – это абсолютно уникальное направление в мировом искусстве. Оно существует ещё с древних времён, но как традиция не утратило своей популярности и способности удивлять.

            Внимательность к традициям

            Восток – это не только пейзажи, горы и восходящее солнце. Это ещё и люди, которые создавали его историю. Именно такие люди поддерживают традицию японской живописи на протяжении многих столетий, развивая и приумножая своё искусство. Теми, кто внёс немалый вклад в историю искусства, были японские художники. Современные произведения искусства именно благодаря им сохранили в себе все каноны традиционной японской живописи.

            Манера исполнения картин

            В отличие от Европы, японские художники предпочитали писать ближе к графике, чем к живописи. В таких картинах не найти грубых, небрежных мазков маслом, которые так характерны для импрессионистов. В чём же заключается графичность такого искусства, как японская живопись? Цветы, деревья, скалы, животные и птицы – всё в этих картинах нарисовано максимально чётко, твёрдыми и уверенными линиями туши. У всех предметов в композиции обязательно есть контур. Заливка внутри контура обычно выполняется акварелью. Цвет размывается, добавляются другие оттенки, а где-то оставляют цвет бумаги. Декоративность – именно то, что отличает японские картины от искусства всего мира.

            Контрасты в живописи

            Контраст – ещё один характерный приём, который используют японские художники. Это может быть разница в тоне, цвете или контраст теплых и холодных оттенков.

            Художник прибегает к приему тогда, когда хочет выделить какой-то элемент предмета. Это может быть прожилка на растении, отдельный лепесток или ствол дерева на фоне неба. Тогда изображается светлая, освещённая часть предмета и тень под ним (или наоборот).

            Переходы и цветовые решения

            Рисуя японские картины, часто используют переходы. Они бывают разными: например, от одного цвета к другому. На лепестках водяных лилий, пионов можно заметить переход от светлого оттенка к насыщенному, яркому какого-то цвета.

            Также переходы применяют в изображении водной поверхности, неба. Очень красиво выглядит плавный переход от заката к тёмным, сгущающимся сумеркам. В рисовании облаков тоже используют переходы от разных оттенков и рефлексы.

            Основные мотивы японской живописи

            В искусстве всё взаимосвязано с реальной жизнью, с чувствами и эмоции тех, кто причастен к нему. Как и в литературе, музыке и других проявлениях творчества, в живописи существует несколько вечных тем. Это исторические сюжеты, изображения людей и природы.

            Японские пейзажи бывают разнообразными. Часто в картинах встречаются изображения прудов – излюбленного предмета интерьера японцев. Декоративный пруд, несколько водяных лилий и бамбук неподалёку – так выглядит обычная картина 17-18 века.

            Животные в японской живописи

            Животные – тоже часто повторяющийся элемент азиатской живописи. Традиционно это крадущийся тигр или домашняя кошка. Вообще, азиаты очень любят семейство кошачьих, и поэтому их представители встречаются во всех формах восточного искусства.

            Мир фауны – ещё одна тема, которой следует японская живопись. Птицы – журавли, декоративные попугаи, роскошные павлины, ласточки, незаметные воробьи и даже петухи – все они встречаются в рисунках восточных мастеров.

            Рыбы — не менее актуальная тема для японских художников. Карпы кои – японский вариант золотой рыбки. Эти существа обитают в Азии во всех прудах даже маленьких парков и садов. Карп кои – своего рода традиция, принадлежащая именно Японии. Эти рыбы символизируют борьбу, решительность, достижение своей цели. Не зря их изображают плывущими по течению, обязательно с декоративными гребнями волн.

            Японские картины: изображение людей

            Люди в японской живописи – особенная тема. Художники изображали гейш, императоров, воинов и старцев.

            Гейши нарисованы в окружении цветов, всегда в сложных одеяниях с множеством складок и элементов.

            Мудрецов рисуют сидящими или объясняющими что-то своим ученикам. Образ старого учёного – символ истории, культуры и философии Азии.

            Воина изображали грозным, порой устрашающим. Длинные волосы самурая были детально прорисованы и похожи на проволоку.

            Обычно все детали доспеха уточнены с помощью туши. Нередко обнажённые части тела воина украшают татуировки с изображением восточного дракона. Это – символ силы и военной мощи Японии.

            Правителей изображали для императорских семей. Красивые одеяния, украшения в волосах мужчин – то, чем изобилуют такие произведения искусства.

            Традиционный японский пейзаж – горы. Азиатские живописцы преуспели в изображении разнообразных ландшафтов: одну и ту же вершину они могут изобразить в разных цветах, с разной атмосферой. Единственное, что остаётся неизменным – обязательное присутствие цветов. Обычно вместе с горами художник изображает какое-то растение на переднем плане и детально его прорисовывает. Красиво смотрятся картины с изображением гор и цветущей сакуры. А если рисуют опадающие лепестки – картина вызывает восхищение грустной красотой. Контраст в атмосфере картины – ещё одно замечательное качество японской культуры.

            Часто композицию картины в японской живописи совмещают с письменами. Иероглифы располагают так, чтобы смотрелось красиво композиционно. Обычно их рисуют слева или справа картины. Иероглифы могут обозначать то, что изображено на картине, её название или имя художника.

            Япония – одна из самых богатых историей и культурой держав. Во всём мире принято считать японцев педантичными людьми, которые находят эстетику абсолютно во всех проявлениях жизни. Поэтому японские картины всегда очень гармоничны по цвету и тону: если и есть вкрапления какого-то яркого цвета – то только в смысловых центрах. На примере картин азиатских художников можно изучать теорию цвета, правильную передачу формы с помощью графики, композицию. Техника исполнения японских картин настолько высока, что может служить примером по работе с акварелью и выполнению «отмывки» графических работ.

Читать еще:  Японский улей: особенности конструкции
Ссылка на основную публикацию
Adblock
detector